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	<title>BOLD Mind</title>
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	<pubDate>Mon, 29 Jul 2024 14:57:26 +0000</pubDate>
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		<title>así era el mundo cuando nació BOLD</title>
				
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	CUMPLIMOS 10 AÑOS: ASI ERA EL MUNDO CUANDO NACIÓ BOLD




¿Y tú dónde estabas en el 2014? Tal vez estrenando tu nuevo iPhone 6, publicando tus primeras fotos con filtro vintage en Instagram o aprendiendo a utilizar Snapchat. ¿Y qué hay del palo de Pinilla? Cuando esa pelota nos creó la ilusión de seguir en carrera por la Copa del Mundo. Sin duda fue una época de muchos cambios a nivel social y cultural, pero sobre todo en la moda. Las tendencias urbanas comenzaron a florecer en las calles y cada persona buscaba originalidad. Fue en este escenario donde nació BOLD. Hace 10 años abrimos nuestras puertas con una misión clara: ofrecer una selección curada de las mejores marcas de streetwear.



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	Pero volvamos al 2014, donde nos encontrábamos con una panorámica muy distinta a la actual, donde Happy de Pharrell Williams sonaba de fondo, sin importar donde estuvieras. En lugar del estilo oversize, predominaban los skinny, los slim fit y los cropped tops. Por su parte, la moda deportiva ganaba cada vez más terreno, dando lugar al concepto de Athleisure, una tendencia que destacó el uso de joggers, polerones con capucha y chaquetas bomber.

	
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	Fue justamente hace una década cuando la moda urbana comenzó a aumentar sus seguidores y las redes sociales jugarían un papel crucial en su difusión y popularización. Instagram sirvió como vitrina digital de outfits para aquellos entusiastas del streetwear o de celebridades como Kanye West, Pharrell Williams y A$AP Rocky, que lucían atuendos auténticos. Incluso Tumblr llevaba su tiempo cumpliendo ese rol, ¿o acaso no reblogueaste más de un polerón Supreme o poleras Stüssy? Porque por acá sí lo hicimos.
	




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	Pero no sólo la moda tendría un cambio. La música cada vez apostaba más por lo urbano con artistas como Kendrick Lamar, Future, J Balvin y Nicky Jam. La búsqueda por lo original y único se reflejó incluso en el cine con series como “True Detective” o “Orange Is the New Black”. Y para qué hablar de las redes sociales, que marcaron una diferencia en cómo las personas interactuaban con la cultura pop, potenciando la conexión, la diversidad y generando comunidades. Esto mismo, es lo que quisimos crear en BOLD. 


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&#38;nbsp;


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A lo largo de estos 10 años, nos hemos transformado en algo mucho más que una tienda, pasando a ser un punto de encuentro para aquellos que aman las tendencias, la música y el diseño. Adoptamos la moda urbana y lo auténtico como una nueva forma de expresión, convirtiéndonos en referentes de este vibrante panorama.

 
Las colaboraciones más esperadas comenzaron a llegar a nuestras vitrinas, como PUMA x Alife “New York”, Nike x Lockwood, adidas x Pharrell Williams “NMD”, sumando marcas nacionales e internacionales, y haciendo que el streetwear fuese visible para todos, inspirando e invitando a probar nuevas tendencias. Pero esto no ocurrió de la noche a la mañana.



	

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	La primera tienda BOLD se inauguró en los pasillos del Mall Parque Arauco, un lugar que juntó todas las marcas deportivas en un solo lugar. Poco después abrió sus puertas en Mall Plaza Vespucio, convirtiéndose en un punto de encuentro para los amantes de las zapatillas.
 No pasó mucho tiempo y para el siguiente año ya contábamos con dos tiendas más, una en el norte de la capital y otra en Concepción. Esto no fue más que el inicio de una ramificación a nivel nacional. “En la medida en que aparezcan locaciones interesantes, vamos a seguir creciendo sin limitación”, comentaba Pamela Rishmague, gerenta comercial de BOLD en la época.  
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	Y luego de 10 años ¿cuál es nuestro secreto? Todo se traduce en el poder de adaptación y el querer ir siempre por más, con una visión original y creativa. En toda esta década de vida nos convertimos en una marca sin miedo a reinventarse, avanzando y fluyendo junto a la cultura y la moda. Hoy en día, el streetwear es más fuerte que nunca y nosotros seguimos siendo un pilar fundamental y un referente en la escena. ¡Gracias por ser parte de nuestra historia y por acompañarnos en esta emocionante aventura!
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	Encuentra tus productos favoritos en tiendas BOLD y Bold.cl
	

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		<title>10b-magicenelbeat</title>
				
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		<pubDate>Thu, 18 Jul 2024 14:38:48 +0000</pubDate>

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	10 AÑOS DE BOLD: LE PEDIMOS A MAGICENELBEAT QUE NOS HAGA UNA CANCIÓN ESPECIAL




Este año BOLD cumple una década y estamos de festejo. Pioneros en traer Jordan a Chile, los primeros en causar una acampada (con las Vans x Fear of God, que en 2017 llenaron nuestra tienda de Paseo Ahumada), los primeros también en abrir una tienda de 1000m2 y tantos hitos más. Y en estos 10 años de vida, nos hemos hecho varios amigos y amigas en el camino. Entre ellos, Magicenelbeat. Le pedimos al productor musical, que ha trabajado con artistas como Bad Bunny, Polimá Westcoast y Cris MJ, que nos haga un beat especial para celebrar. Arriba puedes ver el proceso detrás de su creación.







	
	“Me acuerdo cuando nació BOLD. Quizás yo los conocí un poco después porque vivía en San Bernardo, y parece que la tienda no llegó altiro al Mallplaza Sur. Tiene que haber sido por 2016, 2017. Pero me acuerdo de esa época porque yo me estaba metiendo en el género urbano, en el rubro”, nos cuenta Magic, en el estudio, mientras suena de fondo la pista en la que ha estado trabajando.

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	&#60;img width="889" height="593" width_o="889" height_o="593" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/215fbcb899712b85a4134cf1d06b02e9d7d3cd4664e55d52848ad0b258a8c95a/Magicenelbeat1.jpg" data-mid="214872145" border="0" data-scale="100" src="https://freight.cargo.site/w/889/i/215fbcb899712b85a4134cf1d06b02e9d7d3cd4664e55d52848ad0b258a8c95a/Magicenelbeat1.jpg" /&#62;
	Durante aquellos años, el hip hop nortamericano estaba en un gran momento, con raperos como Kendrick Lamar, J. Cole o Kanye West elevando la apuesta constantemente. La producción de sus canciones marcó mucho la forma de trabajar de Magic y su forma de percibir la música en general. “Yo diría que ellos no ven la música como nosotros. Se dejan fluir un poco más por lo que sienten que va en cada sección, saben distribuir bien los elementos al transcurrir la canción. Quizás los latinos en ese tiempo, 2014, 2015, éramos un poco más como… Como muy barrocos, por decirlo así. Con mucha cosa, muy cargado todo”.
	




&#60;img width="361" height="209" width_o="361" height_o="209" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/791520aa1608ca49fe3506386d83c0d557731ef0a1bc725abc2a91ab12abb266/Mesa-de-trabajo-87.png" data-mid="214873532" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/361/i/791520aa1608ca49fe3506386d83c0d557731ef0a1bc725abc2a91ab12abb266/Mesa-de-trabajo-87.png" /&#62;
&#60;img width="1786" height="1381" width_o="1786" height_o="1381" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/d8af96604d16f2fd8e52d8cd41ff798b2068f5b00748144aeb0945ffed05a4a7/CODIGO-DE-BARRA-N.png" data-mid="214873108" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/d8af96604d16f2fd8e52d8cd41ff798b2068f5b00748144aeb0945ffed05a4a7/CODIGO-DE-BARRA-N.png" /&#62;


	







	


	Sobre todo, Kanye tuvo (y aún tiene) un impacto sobre Magic. “Creo que partí desde ahí, como buscando algún sample o algo que me recordara a ese momento de su música”. Así llegó a “Waves”, del disco The Life of Pablo (2016) y a ese grito de “turn it up!”. Con la idea clara de que quería hacer un beat con una base full inspirada en el hip hop, empezó también a revisar sus archivos. Se acordaba que tenía alguna creación descartada en esos años de experimentación que podría funcionar para este trabajo. La recuperó y reconstruyó para darle otra vibra, no solo quedándose en el hip hop. 


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&#38;nbsp;


	&#60;img width="680" height="1020" width_o="680" height_o="1020" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/7ffe03f75d684e5467ebcd4dd86b2485c0be25da4ed12fa5edae2beb68896d75/Magicenelbeat4.jpg" data-mid="214872152" border="0" data-scale="99" src="https://freight.cargo.site/w/680/i/7ffe03f75d684e5467ebcd4dd86b2485c0be25da4ed12fa5edae2beb68896d75/Magicenelbeat4.jpg" /&#62;
	



“Acá, por ejemplo, tengo un sonido que para nosotros, en el mundo urbano, es súper importante, que es el bajo, o el 808 en el trap”, comenta Magic mientras nos muestra cómo suena.&#38;nbsp; “Lo urbano de alguna forma viene como de este sonido más rudo, ya sea en reggaetón, en hip hop, UK garage o en lo que sea. La mayoría de los géneros que son urbanos comparten esta presencia en frecuencias bajas bien fuertes”.



	

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	Son nuestros primeros DIEZ años. Estamos agradecidos, orgullosos, sorprendidos, inspirados y motivados. Todos los sentimientos que son parte de crecer, de mirar hacia atrás pero también hacia adelante. Así que si este beat te hace sentir nostalgia, no estás solo. Estamos nostálgicos, a la vez que tremendamente entusiasmados por todo lo que viene. No podríamos haber pedido un mejor soundtrack para nuestros 10 años. 
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		<title>mujeres-streetwear</title>
				
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		<pubDate>Tue, 08 Mar 2022 13:02:22 +0000</pubDate>

		<dc:creator>BOLD Mind</dc:creator>

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	PODER FEMENINO EN EL STREETWEAR: ÍCONOS DEL PASADO Y EL PRESENTE




Es un hecho que la industria del streetwear desde sus inicios ha sido dominada mayormente por hombres. Cuando hablamos de marcas que marcaron la historia reciente de la moda, en general se mencionan siempre los mismos nombres, de James Jebbia (Supreme) a Shawn Stussy y Virgil Abloh. Pero las mujeres siempre han estado ahí. Que las prendas sean cada vez más “gender-fluid” es un logro que se ha alcanzado a partir de ellas. Son muchas las mujeres que han ayudado a dar forma a esto que conocemos hoy como streetwear.


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Una de las marcas de moda urbana con enfoque femenino que nació a finales de los ‘90, y sigue siendo reconocida hasta hoy, es Baby Phat, creada por la modelo Kimora Lee Simmons. Originalmente nombrada “Phat Fashions”, esta firma nació en 1999, teniendo a&#38;nbsp; Simmons como diseñadora principal, con jeans y blusas adornadas con un logotipo de gato curvo inspirado en su mascota, el gato siamés, Max, dentro de sus primeras colecciones.



	

La marca tuvo el peak de fama hasta el año 2004, y durante el 2019, la modelo decidió reabrirla, inspirándose en sus hijas adolescentes. En una entrevista de la época, Simmons expresó que creó Baby Phat porque "las mujeres, especialmente las mujeres afroamericanas, no tenían voz en la industria del streetwear”.

	




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Hace unos años, la mismísima Rihanna se ocupó de comprar un archivo de prendas de la marca y hoy, Baby Phat continúa haciendo colaboraciones con, por ejemplo, Foot Locker y Forever 21. 










	






	





Otra compañía con historia e impacto similar es X-Girl, creada por Kim Gordon (Sonic Youth) junto a su amiga Daisy Von Furth, quien trabajó para la marca X-LARGE, pionera de streetwear en Los Ángeles. Gordon y Von Furth imaginaron la marca en 1994 como una antítesis de todo: anti-sistema, anti-mainstream y anti-comercial, leal al punk, el skate y el hip-hop. Comenzaron con una línea de ropa que incluyó minifaldas, vestidos mini y poleras gráficas. Eso sí: Gordon tenía una regla de no usar nada de lycra ni ningún otro material que fuera muy ajustado. 





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El primer desfile de X-Girl fue, en verdad, una locura: al mejor estilo guerrilla y con Sofía Coppola y Spike Jonze a cargo de la producción, lo hicieron en las calles del Soho de Nueva York durante la Semana de la Moda de 1994, en el momento exacto en que, adentro, terminaba el desfile de Marc Jacobs y el público comenzaba a abandonar el lugar. Desde la supermodelo Linda Evangelista al fotógrafo Steven Meisel tuvieron que detenerse en el camino a ver qué estaba sucediendo en la calle. Una jugada maestra que les hizo ganar bastante prensa. A la fecha, X-Girl mantiene su esencia y&#38;nbsp; ha hecho colaboraciones con gigantes como Reebok, Dr. Martens y Dover Street Market. “Honestamente, no tengo idea de cómo me convertí en un ícono de la moda. Pero cuando miro hacia atrás, a las cosas que usaba en los 80s y los 90s, en verdad funcionan hoy también”, dijo Gordon en una entrevista reciente.






	




	

Dentro de las marcas más actuales que se pueden destacar está MadeMe, creada en Nueva York en el año 2007 por la canadiense Erin Magee. Su inspiración nació de las tendencias alternativas de los ‘90 y de marcas como, justamente, X-Girl. “Por mujeres, para mujeres” es el lema de esta firma, que actualmente ofrece colecciones de pantalones, parkas puffer, crop tops, bolsos, bucket hats y más, en colores brillantes y llamativos. Con un espíritu joven y creativo, la marca ha sabido elegir rostros como la rapera Princess Nokia para su equipo de modelos.




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El empoderamiento femenino del streetwear también viene en formas de diseñadoras independientes, como Alexandra Hackett, más conocida como Mini Swoosh. La australiana ha impactado al mundo del internet desde el año 2016, cuando comenzó a compartir sus creaciones de reutilización de objetos cotidianos, como bolsas plásticas, en prendas de moda, además de ser muy abierta por su amor a Nike, tomando el logo de la marca como inspiración para su nombre. A través de sus trabajos, Hackett ha tenido la oportunidad de colaborar con artistas como Frank Ocean y Kendrick Lamar, logrando también colaborar con Nike mismo para crear las Air Max de sus sueños.


	





En la escena local podemos encontrar a Tetrapunk, marca creada por Paz Bustamante durante el 2020, en plena pandemia. La artista junta el arte y la moda con piezas marmoladas por ella misma y su equipo, en un proceso 100% hecho a mano. Tetrapunk ofrece pantalones, chaquetas, bucket hats, poleras, vestidos y más prendas con diseños coloridos y originales, siendo cada uno único en su existencia. 





	
	
 

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Por otro lado tenemos la marca Y.A.N.G, acrónimo de “You Are the Next Generation”, la cual hace piezas a través de reconstrucción y reutilización de materiales, teniendo el dejar cero residuos dentro de sus prioridades. La diseñadora Francisca Gajardo comenzó este proyecto en el 2016, y además de la venta de sus creaciones, también realiza talleres de upcycling de manera online, teniendo actualmente su trabajo en Londres y en Chile. Y.A.N.G ofrece una gran variedad de prendas, moviéndose entre la tendencia de los corset hasta esenciales típicos como los cortavientos.
	DOB3RMAN DOBIWORLD, es otra marca local, operada y diseñada por la estilista Sofía Pinto, quien genera piezas a través del upcycling, con siluetas inspiradas en los ‘90 y en los principios de los 2000, con colores brillantes y patrones geométricos y psicodélicos. Artistas como Pablo Chill-E y SOULFIA han sido parte de sus sesiones de fotos, luciendo parte de los distintos drops de la marca. 


	







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En Chile también podemos encontrar a Doslobos, co-fundada por la diseñadora de vestuario Janis Toledo en el 2015. En siete años ya han lanzado 10 colecciones diversas con prendas como poleras, polerones, shorts, y vests, además de accesorios como snapbacks, calcetines, bolsos, e incluso alfombras. Su trabajo “aspira a conservar los recursos en nuestro país, fomentando un modelo de negocio más humano e igualitario en la industria de la moda”, promoviendo el slow fashion a través de condiciones y jornadas laborales justas para sus trabajadores.




 


	

Hoy en día hay cada vez más mentes femeninas imaginativas que expresan su creatividad a través de nuevos diseños y looks de streetwear, dejándonos en claro que este mundo les pertenece de igual manera, y ha sido así desde hace décadas. 


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		<title>vansxmoca</title>
				
		<link>https://boldmind.cl/vansxmoca</link>

		<pubDate>Tue, 01 Mar 2022 16:14:11 +0000</pubDate>

		<dc:creator>BOLD Mind</dc:creator>

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	VANS X MOCA: UNA COLECCIÓN QUE CELEBRA LA EXPRESIÓN CREATIVA


Vans y el MOCA (Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles) unieron fuerzas para crear una colección cápsula inspirada en el arte, la cultura y la historia de California. Para ello, la marca y el museo convocaron a tres artistas del área, con quienes se ocuparon de dar un nuevo look a algunas de las siluetas más icónicas de Vans.






	
	A lo largo de los años, Vans ha tenido decenas de colaboraciones, sobre todo en el último tiempo. Desde Opening Ceremony, Supreme, Fear of God, KITH y Sandy Liang a Anderson .Paak, Foo Fighters, e incluso Harry Potter, Bob Esponja y Dónde Está Wally; la marca californiana siempre se ha mantenido abierta a tener reinterpretaciones de sus clásicos, buscando inspiración en el mundo de la moda, la fantasía, la música e incluso en las artes visuales. Porque claro, también ha colaborado con museos, como el Van Gogh de Ámsterdam o el MOMA de Nueva York.
	




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&#38;nbsp;
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En esta ocasión, Vans decidió colaborar con el MOCA, institución fundada en 1979 en Los Ángeles y que al día de hoy mantiene una de las colecciones de arte más atractivas del mundo, compuesta por alrededor 7000 obras que fueron creadas desde 1940. La misión del museo no es sólo preservar estos trabajos para las futuras generaciones, sino apoyar activamente la creación de nuevos trabajos mediante programas educativos. “Hacemos accesible la experiencia del arte. Aceptamos la inevitabilidad del cambio. Apoyamos la multiplicidad de perspectivas. Fomentamos la urgencia de la expresión contemporánea”, se lee en su sitio web.






La colección creada en conjunto pone en el centro a tres artistas de California: Judy Baca, Brenna Youngblood y Frances Stark. Cada una le ha dado su toque personal a las zapatillas de Vans.


	






	








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La Dra. Judy Baca es una muralista chicana cuyo trabajo se centra desde hace más de 40 años en las vidas de las comunidades más desfavorecidas, así como en las adversidades a las que deben hacer frente.&#38;nbsp; Su obra Hitting the Wall (1984) protagoniza el diseño de una de las Old Skool de este lanzamiento. En la obra, una corredora con los brazos extendidos atraviesa la línea de meta y derriba un muro de ladrillos con ella, dejando ver el horizonte de Los Ángeles detrás. Encargado para los Juegos Olímpicos del ‘84, el mural de Baca no era una pieza más de arte callejero. Más bien, se creó para representar un hito: la primera vez que se permitió a las mujeres competir en la maratón olímpica.





	




	

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&#38;nbsp;


	&#60;img width="710" height="889" width_o="710" height_o="889" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/e1945ca0976960de7e547e8f9d137c86a252842ec846f4084a928ef85a96b6a1/Captura.PNG" data-mid="135598713" border="0" data-scale="71" src="https://freight.cargo.site/w/710/i/e1945ca0976960de7e547e8f9d137c86a252842ec846f4084a928ef85a96b6a1/Captura.PNG" /&#62;
	





Otra de las obras de la muralista se destaca en una Authentic. Titulada Triumph of the Hearts, esta pieza representa el comienzo de cualquier movimiento de una sociedad hacia la paz: el individuo que pasa a la acción.


	



Brenna Youngblood incorpora en su trabajo relatos autobiográficos y de ficción para explorar la iconografía de la experiencia afroamericana, los métodos, la política y la ética de la representación, y el legado de la abstracción. Para esta colaboración, la artista trabajó con las siluetas Authentic y Slip On, insertándoles el estilo abstracto y colorido que tanto la caracteriza, y dándoles a sus estampados un aspecto tridimensional que saca el máximo partido al espacio negativo.




	
	
 

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A lo largo de su carrera profesional, Frances Stark ha explorado la fascinación por las subculturas del sur de California: el skate, el punk, el rap y la propia ciudad de Los Ángeles. El amor que Frances Stark siente por ese lugar queda plasmado en su propia versión de las Old Skool, que luce un mapa dibujado a mano de las calles que han inspirado a la artista durante décadas, tomado de su obra de 2013 A Hundred Years From Now You Too Could Have Nothing! Stark también se animó a crear una versión de la Sk8-Hi que luce una impresión de un fotograma del proyecto audiovisual Poets on the Pyre III, que realizó en 2015.








	




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Esta colección es la segunda que Vans lanza con el MOCA; el primer drop se ocupó de decorar estas mismas zapatillas con el logo del museo y entretenidos estampados. Una doble colaboración hecha para celebrar la expresión creativa de California y su comunidad. La marca creada durante los años sesenta por los hermanos Van Doren en la ciudad de Anaheim no ha olvidado sus raíces.

Busca tus Vans x MOCA ahora en bold.cl






 


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		<title>blazer</title>
				
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		<pubDate>Fri, 25 Feb 2022 20:15:53 +0000</pubDate>

		<dc:creator>BOLD Mind</dc:creator>

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	EL REGRESO DE LAS NIKE BLAZER: DE LA NBA A LAS CALLES
Lanzadas por primera vez en la década del ‘70 y popularizadas inicialmente en el basketball por el legendario jugador de los San Antonio Spurs, George “The Iceman” Gervin, estas zapatillas llevan casi cinco décadas marcando tendencia. Aquí repasamos su historia.

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	El 2021 fue el año del comeback de las icónicas Nike Blazer, las primeras zapatillas creadas para jugar baloncesto por la marca, en el año 1973. Nike entró a la escena con este modelo de caña alta y el llamativo logo swoosh estampado en los costados.




	

Estas zapatillas, que actualmente tienen decenas de diferentes versiones, fueron usadas originalmente por el jugador de la NBA George Gervin, y gracias a esto, la marca comenzó a hacerse conocida en la liga. El nombre de la silueta, de hecho, está inspirado en&#38;nbsp; el equipo de Portland, los Trail Blazers, lugar donde hasta el día de hoy permanece la sede central de Nike.







	


&#38;nbsp;
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Otros gigantes de la industria no demoraron mucho en irrumpir en el mundo del basketball, como Converse y Puma, creando competencia para Nike. Con el paso del tiempo, en la carrera por ganarse la confianza del público y hacer mejoras que beneficiaran a los atletas, las marcas fueron innovando en la tecnología de las zapatillas, y este modelo se quedó atrás, desapareciendo lentamente del mundo del baloncesto. Demás está decir que en el momento en que Nike apareció con la Air Jordan 1, la historia cambió por completo.


	

Durante los 80s, sin embargo, la Blazer tuvo un renacimiento dentro de una incipiente comunidad de la época, los skaters, quienes consideraban que era perfecta para hacer trucos en la tabla; su la suela vulcanizada les ofrecía un agarre óptimo. Esto sumado a la estética simple y un precio accesible, hizo que las Blazer se volvieran un esencial para andar en skate.


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En el año 2003, la leyenda del graffiti Futura 2000 colaboró con Nike para lanzar una edición especial de la Blazer. Este trabajo puso al modelo de nuevo en el radar de los aficionados de las zapatillas de alrededor del mundo, a pesar de su tecnología vintage. Dos años después, en 2005, el portavoz de Nike, Lance Mountain, lanzó Nike Blazer SB, un diseño con nuevas características para el skate, como un cuello acolchado y plantillas donde la marca implementó su tecnología Zoom Air.


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&#38;nbsp;


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Desde ese año en adelante, diversas marcas han hecho sus propias versiones de esta silueta, como Supreme, Stussy, Sacai, e incluso el programa de Netflix “Stranger Things” en el año 2019 tuvo su propia edición, aprovechando la estética retro de las zapatillas para mezclarla con la de su propio show.
	

Una de las collabs más destacadas actualmente es la que realizó Nike con Off-White, la marca del fallecido diseñador Virgil Abloh. Su última colección en conjunto fue en octubre del 2018, donde lanzaron modelos inspirados en Halloween y sus típicos colores.






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Durante el 2021, las Blazer se comenzaron a ver más y más en espacios comunes y no necesariamente relacionados con el mundo del skate o del streetwear, viéndose en modelos como Bella Hadid o actrices como Zendaya.


Con casi 50 años de historia, las Blazer hicieron su regreso y no planean irse pronto. Busca las tuyas en bold.cl para combinar con diferentes tenidas.







	
 



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		<title>biomateriales</title>
				
		<link>https://boldmind.cl/biomateriales</link>

		<pubDate>Wed, 09 Feb 2022 13:58:49 +0000</pubDate>

		<dc:creator>BOLD Mind</dc:creator>

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BIOMATERIALES: 
POR QUÉ SON 
(O DEBERÍAN SER) 
EL FUTURO DEL CALZADO
En la carrera contra el cambio climático, la industria del calzado, como tantas otras, debe hacer un esfuerzo para minimizar su impacto en el medioambiente. Son varias las marcas que se han mostrado bien activas en años recientes en el compromiso de no solamente reducir su huella de carbono, sino de intentar generar mayor conciencia en el público. Nike es una de ellas. Siempre volcada a la experimentación, en el último tiempo la marca ha demostrado grandes avances en la innovación de materiales. En específico, en los biomateriales, que nacen a partir de recursos renovables y que hasta se pueden producir en casa. 

¿Cómo será trabajar en el área de diseño de Nike creando materiales a partir de flores, algas, hongos y otros ingredientes naturales? Aquí te contamos un poco.

 


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	Hacer un cambio real en la industria implica tratar de abandonar el proceso lineal de producción que hace que se utilicen recursos no renovables para la fabricación de productos de consumo, generando mucho residuo en el camino. Hacer un cambio real es pasar a un modelo circular. Ahí es donde entran los biomateriales, para reemplazar, por ejemplo al plástico, hecho a partir de petróleo, gas o sus derivados.


	



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&#38;nbsp;
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Los biomateriales se producen a partir de recursos que sí son renovables (o sea, que pueden restituirse a una velocidad mayor a su extracción, procesamiento y uso). También se pueden reciclar y son biodegradables, son capaces de descomponerse por completo en menos de 180 días si se depositan en compost, tierra o agua.




	

De acuerdo a 

Noel Kinder, Director de Sostenibilidad de Nike, los materiales representan el 70% de huella de carbono que genera la compañía sobre el medioambiente. “No podemos esperar a encontrar soluciones, debemos crearlas”, dijo a mediados del año pasado, cuando se asociaron a la empresa Newlight para comenzar a utilizar AirCarbon en su producción, un biomaterial producido a base de microorganismos del océano y que tiene huella de carbono negativa.




&#60;img width="1724" height="763" width_o="1724" height_o="763" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/aad1b13801870d705bc634ab57b2544df302560e6ddec357d5af82247c12eadd/forma-3-16.png" data-mid="132966213" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/aad1b13801870d705bc634ab57b2544df302560e6ddec357d5af82247c12eadd/forma-3-16.png" /&#62;


	Internamente, la marca también cuenta con expertos para seguir elaborando biomateriales. Rikke Bonde es diseñadora de materiales en Nike y recientemente, nos dieron un vistazo a su trabajo.&#38;nbsp;“Me considero una exploradora. Me encanta la ciencia y el diseño, y me encanta combinar ambas cosas”, dice la danesa hoy radicada en Portland. “Lo que amo de mi trabajo es que no hay límites, puedo usar mi creatividad como quiero”.
	
	


	
	&#60;img width="895" height="693" width_o="895" height_o="693" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/492084578154c0c0e3538c102e4f7de48ef82bf7c159a04c2717bae5d40b3042/Captura-2.PNG" data-mid="132970422" border="0" data-scale="100" src="https://freight.cargo.site/w/895/i/492084578154c0c0e3538c102e4f7de48ef82bf7c159a04c2717bae5d40b3042/Captura-2.PNG" /&#62;
	

De niña, Rikke y su familia tenían la tradición en la Pascua de resurrección de decorar huevos con pinturas hechas a partir de flores, semillas, hongos y restos de comida. Porque es posible crear biomateriales en tu propia cocina, dice hoy. 


&#38;nbsp;


	&#60;img width="857" height="653" width_o="857" height_o="653" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/797aedb4274cc5ed9f28619b40d7b3bbec29fab64b253429e0333c6125558a09/6-2.PNG" data-mid="132971022" border="0" data-scale="90" src="https://freight.cargo.site/w/857/i/797aedb4274cc5ed9f28619b40d7b3bbec29fab64b253429e0333c6125558a09/6-2.PNG" /&#62; 



	

“Cuando empezó la pandemia, lo vi como una buena oportunidad de experimentar en casa", explica Rikke, quien montó un laboratorio en su casa para “jugar” a crear sustancias similares al plástico o a la goma hechas a partir de ingredientes que tenía allí. “He estado experimentando con gelatina, flores, hongos, vinagre, corcho, leche, lavanda seca, cúrcuma, restos de café y más”.


	

&#60;img width="1724" height="763" width_o="1724" height_o="763" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/08d4c0a8805fe06e7a20b3a6d37de8db7e1e775cdb06686729cfc27e5ed4a62f/forma-4-16.png" data-mid="132966218" border="0"  src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/08d4c0a8805fe06e7a20b3a6d37de8db7e1e775cdb06686729cfc27e5ed4a62f/forma-4-16.png" /&#62;



	


	Variando cantidad y temperaturas, pudo generar distintos resultados que luego presentó a su equipo en Nike “como un pequeño museo o vistazo al futuro”. Para Rikke, los biomateriales son -o deben ser- el futuro. “En la ciencia, hay tanto que no conocemos aún. Para mí es como una caja mágica que puedo abrir y que me permite hacer cualquier cosa”.

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		<title>7capas</title>
				
		<link>https://boldmind.cl/7capas</link>

		<pubDate>Mon, 24 Jan 2022 19:11:17 +0000</pubDate>

		<dc:creator>BOLD Mind</dc:creator>

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	7CAPAS: RECICLANDO TABLAS DE SKATELas tablas rotas son para los skaters lo que las pelotas pinchadas para los futbolistas: el fin del juego. Gracias a 7Capas, sin embargo, desde hace un tiempo que a las tablas que ya no están para ser usadas se les puede dar otra vuelta creativa. Este proyecto les da una nueva vida, convirtiéndolas en objetos de decoración. Aquí te contamos todo.

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	Francisco Oyarzún y Daniel Campillay, fundadores de 7Capas, comenzaron hace algunos años a rescatar y reconvertir pedazos de skates viejos, desarrollando un emprendimiento que hoy ofrece una creciente variedad de productos que combinan reciclaje y trabajo hecho a mano.



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	7Capas partió como una idea entre 2016 y 2017, cuando Francisco y Daniel se pusieron a pensar en la cantidad de tablas que quebraban y todo el desecho en madera que esto generaba. Daniel tuvo la idea de aprovechar este material fabricando pequeños juguetes, y como Francisco tenía acceso a un taller de muebles perteneciente a su familia, decidieron hacer el primer prototipo. 
	En ese momento se dieron cuenta del potencial que tenían para realizar lo que fuera con las tablas de skate recicladas. Comenzaron con cosas pequeñas y, a medida que desarrollaban la técnica, fueron creando productos cada vez más grandes y de mayor complejidad, llegando a realizar piezas enfocadas directamente en el diseño y decoración funcional, desde una mirada sustentable.


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	“Nos sentimos parte de un movimiento más grande y que ha buscado a través del arte y la sustentabilidad generar un impacto positivo en diferentes disciplinas, intentando siempre concientizar sobre la importancia que tiene el cuidado del medioambiente y de cómo, mediante la creatividad y el reciclaje, se puede lograr una escena sostenible”, comenta Francisco.
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	Actualmente, además de ellos dos, también está Jorge, papá de Francisco, como jefe de taller. Él ha sido el encargado de enseñarles todas las técnicas del oficio de la carpintería que hoy manejan para realizar sus obras con la mayor pulcritud. Operación de máquinas de corte, lijado, cepillado, fresado, prensado… Todo eso y más han debido dominar en 7Capas para llegar a lo que puede verse en las fotos que acompañan este texto.
	
	


	
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	“Dentro de nuestros referentes que están en línea con nuestra visión podemos mencionar a Haroshi, quien realiza esculturas con tablas de skate recicladas, y por otro lado a AdrianMartinus, que son un equipo que recicla las tablas de skate para fabricar productos de diseño para el hogar”, explica.
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	Durante los años que llevan recuperando y reutilizando las tablas desechadas, han generado redes en la comunidad de skaters, con marcas, asociaciones y clubes que se han comprometido con la causa y les brindan apoyo acopiando tablas rotas, para luego coordinar su retiro. Eso los llevó a implementar su propio centro de acopio en Puente Skate, comuna de Puente Alto.

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	Junto a esos grandes pasos dados en pos del reciclaje, 7Capas no ha dejado de avanzar también en lo artístico. O en lo artesanal, si se prefiere. El rótulo distintivo pierde importancia cuando se llega a ver y tocar una de las piezas de este estudio. Por lo mismo los han invitado a participar en distintas ferias de diseño, como también ferias navideñas, ferias culturales y municipales, siendo siempre muy bien recibidos. Además, han empezado a abrir las puertas de su taller para todas las personas que desean conocer su trabajo, recibiendo incluso a cursos completos de diversas instituciones educacionales, con los que han realizado pequeños workshops para explicar el oficio que tanto disfrutan.


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	De esa forma se completa el círculo integral, que combina creatividad, comunidad, traspaso del conocimiento y sustentabilidad. Un trabajo en profundidad, con muchos niveles, que le hace honor al nombre 7Capas más allá de la referencia directa a las tablas que lo inspiran.
	



	
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	Y con ese trabajo, el reconocimiento llega. Así lo cuenta Francisco: “A la mayoría de la gente le encanta el arte que hacemos, y más aún cuando lo ven en vivo y en directo, más que por internet, ya que en ese momento es donde se logran apreciar los detalles de la pieza y se genera la conexión con el sentido, el trabajo y la entrega que se da a cada producto que tienen en sus manos”.


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		<title>virgil abloh</title>
				
		<link>https://boldmind.cl/virgil-abloh</link>

		<pubDate>Tue, 04 Jan 2022 15:19:50 +0000</pubDate>

		<dc:creator>BOLD Mind</dc:creator>

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	VIRGIL ABLOH: LECCIONES PARA TODO CREATIVOArquitecto, diseñador de moda, director creativo de una marca de lujo, diseñador de portadas de discos, DJ. Hay una razón por la que Virgil Abloh prefería definirse a sí mismo como “creador” más que ser encasillado a una sola ocupación. El hombre hacía de todo. Su idea de creatividad realmente era hacer lo máximo que pudiera al mismo tiempo, porque -dijo él alguna vez- una cosa inspira a la otra.

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	Tanto se ha hablado desde su fallecimiento hace algunas semanas sobre el impacto de su trabajo y el legado que dejó atrás, que aquí decidimos recopilar algunos de sus dichos para inspirar a cualquiera que se dedique a un área creativa.
	



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	1. SER DISRUPTIVO NO SIGNIFICA SER BUENO
“Imagina si realmente creyera que estoy poniendo a la moda de cabeza. Eso es muy fácil. Puedes ser disruptivo, pero no significa que tengas talento. Todo lo que estoy intentando hacer es crear cosas que sean representativas de lo que me rodea y de la comunidad de la que provengo, para que así más gente pueda hacerlas también”.
	2. DE HECHO, SER REALMENTE BUENO LLEVA TIEMPO Y DISCIPLINA
“Cualquier persona que puedas citar: Steve Jobs, Karl Lagarfeld, Michael Jordan… No son nombres comunes porque trabajaban de nueve a seis. Hay gente en este mundo que dedica su vida entera a su práctica o lo que sea. Yo siempre he sido así”.


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	3. REINVENTAR LA RUEDA NO ES LA MISIÓN
“Lo ‘nuevo’ es una farsa para mí. Es una crítica que apunta a dejar afuera de esto a gente como yo. No estoy haciendo de cuenta que he inventado algo que nunca había sido hecho. Mi trabajo existe solamente porque me inspiré en el trabajo de otros”.
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	4. CONECTA CON TU PÚBLICO.
“Tengo esta marca Off-White solo para contar historias. No la tengo para crear moda tradicional, porque no sé nada sobre eso”.


5. NO PIENSES SOLAMENTE EN VENDER.
“Mi objetivo general no es vender ropa. Cuando esa se convierte en tu meta, de pronto todo lo que haces se comienza a ver igual, ¿sabes? Empiezas a diseñar en base a números”.
	
	


	
	
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	6. ESTÁ BIEN TENER ANSIEDADES
“Casi todo me da ansiedad. Creo que la ansiedad es mi motor. Como creativo, siempre estarás luchando con no tener ideas. Eso es lo que nos mueve”
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	7. APRENDE A TRABAJAR CON OTROS
"Dos cabezas piensan mejor que una, eso es algo en lo que creo firmemente. La colaboración es lo que ocurre con todos en mis oficinas y creo en extenderla hacia afuera. Siempre busco a alguien que tenga una voz auténtica y que, juntos, podamos hacer algo que no podríamos hacer individualmente”.
&#38;nbsp;


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	8. NO TE TOMES TAN EN SERIO

“La ironía es una herramienta para la creatividad moderna. Hay una razón por la que probablemente todos miramos 60 memes al día. El humor es un punto de entrada para la humanidad, es una parte esencial de las ideas modernas”.


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	9. JUST DO IT. EMPIEZA DE UNA VEZ.
"Si haces lo que voy a decir ahora mismo, funcionará. Lo he descubierto. He hecho todo este recorrido por el mundo para dar este único consejo. Si quieres hacer esto, si quieres ser un diseñador, sólo tienes que hacer esto: hazlo. Yo mismo lo descubrí: todo esto se basa literalmente en una idea para hacer una polera. Nunca habría pensado que llegaría a esto, pero si no hubiera hecho esa primera, no habría llevado a la tercera o a la quinta o a lo que sea".
	



	
	&#60;img width="640" height="800" width_o="640" height_o="800" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/a48f837d3e85ddbf58e18dee8a9ec2fcdbb74f588b7101d2334e52ab4d3474ec/61e3.jpeg" data-mid="130203479" border="0" data-scale="69" src="https://freight.cargo.site/w/640/i/a48f837d3e85ddbf58e18dee8a9ec2fcdbb74f588b7101d2334e52ab4d3474ec/61e3.jpeg" /&#62;


	
	10. NO ESPERES TENER ÉXITO DE LA NOCHE A LA MAÑANA
“Creo que las redes sociales hacen que la gente quiera triunfar muy rápido. Pero eso ocurre a un cierto ritmo, no es algo inmediato. Es bueno saber agachar la cabeza y seguir haciendo lo tuyo. El éxito demora años”.


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		<title>CROCS</title>
				
		<link>https://boldmind.cl/CROCS</link>

		<pubDate>Thu, 25 Feb 2021 21:17:56 +0000</pubDate>

		<dc:creator>BOLD Mind</dc:creator>

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Crocs: comodidad para todos Crocs nació en 2002 como una de las marcas de calzado más singulares de la industria. Estos “zapatos de goma con huecos” de aspecto tosco eran diferentes a todo lo que existía en el mercado en ese momento y su estética causó incomodidad en muchos. Estaban los que las odiaban, los que las usaban a modo de “placer culposo” solo en casa y los que se animaban a ponérselas para salir a la calle, sin importar el qué dirán e imponiendo su estilo. Ellos fueron los que las convirtieron en un ícono. Hoy, ofreciendo múltiples diseños y habiendo vendido más de 100 millones de pares, las Crocs son reflejo del atreverse a romper esquemas y buscar autenticidad por medio de la personalización. 



&#60;img width="1280" height="543" width_o="1280" height_o="543" data-src="https://freight.cargo.site/t/original/i/24d911fc5abba15e37323166fbd22171b84e1f2861dec051590b69d3b2a5872d/graf-2.png" data-mid="100173785" border="0" data-scale="22" src="https://freight.cargo.site/w/1000/i/24d911fc5abba15e37323166fbd22171b84e1f2861dec051590b69d3b2a5872d/graf-2.png" /&#62;


¿Pero cómo una marca que hace unos años fue catalogada como de zapatos feos puede ser hoy tan popular?
Crocs lleva casi dos décadas generando amores y odios. Diseñadas inicialmente para personas que navegan o trabajan en el mar, hoy son usadas por trendsetters, artistas, médicos, adultos, niños. Siendo un artículo transversal para todas las edades y estilos.

Hay varias teorías que hablan de su crecimiento. La pandemia ha cambiado la manera en que nos relacionamos y nos vestimos, prefiriendo estar cómodos por sobre todas las cosas. Palabras como “bienestar” y “confort” hoy están mucho más integradas en nuestra vida cotidiana. Esto ha favorecido mucho a Crocs y su producto basado en la comodidad.




	
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Sin duda, el nuevo estilo de vida al que nos hemos visto enfrentados provocó un aumento en su demanda, pero la realidad es que las Crocs llevaban ya un tiempo en ascenso, convirtiéndose no solo en una tendencia, sino en un objeto de culto. La marca ha sabido darle valor a su zapato a través de colaboraciones con firmas expertas en convertir productos en íconos, como Christopher Kane y Balenciaga, así como trabajando con artistas que reivindican la moda, como Bad Bunny y Post Malone. “Me encantan. Y me da igual lo que la gente piense”, comentó Christopher Kane cuando las subió a una pasarela en 2017.


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	En el 2007, la revista estadounidense Slate se refería a Crocs como un fenómeno: “Las Crocs representan una forma de rebelión capitaneada por los que priorizan el confort. Cuando suficiente gente se deja ver con calzado feo pero cómodo, otros les siguen, liberándose de limitaciones”.Uno de los pilares de la marca “Come as you are”, habla precisamente de eso, de atreverse a ser uno mismo. Heidy Cooley, Jefa Global de Marketing, lo explica así: “Nos dimos cuenta de que éramos distintos y únicos como marca, y que teníamos muchos fans alrededor del mundo que se identificaban con ese sentimiento. ‘Come As You Are’ es celebrar la diversidad y a su vez, el ser único. Nuestro zapato es un lienzo increíble para reflejar lo que sea que sientas hoy”. Porque sí, además de que existen más de 120 estilos de Crocs, también existen los pines Jibbitz para customizarlas a tu gusto.

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	Es cierto que cuantas más críticas recibe un objeto, más necesario se convierte para el público querer llevar la contraria. Así nació, por ejemplo, el citadísimo normcore (ese elogio a la normalidad que estaba lejos de ser normal y del que los zuecos de la firma Crocs fueron parte integrante).

 

Hoy podemos decir que las Crocs nos han demostrado que la autenticidad es el camino a seguir y que no tenemos que tener miedo al qué dirán mientras seamos fieles a nuestro estilo.

 


Ya puedes encontrar Crocs en bold.cl y BOLD Costanera Center.





BOLD Mind © 2021
	



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		<title>transporte_urbano</title>
				
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		<pubDate>Wed, 24 Mar 2021 21:24:00 +0000</pubDate>

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	TRANSPORTE URBANO: El desafío de fluir
en la ciudad

	Como si fuera una red de ríos del sur o el sistema circulatorio de un organismo, el ideal del transporte urbano es apuntar a ser como el agua o la sangre. La comparación con ambos elementos no se limita a la fluidez; también incluye el sentido de necesidad vital. Porque, para la vida de la ciudad y sus habitantes, trasladarse de la forma más eficiente posible es esencial. 

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Juan Carlos Muñoz, Profesor de Ingeniería de Transportes en la Universidad Católica, así lo explica: “Cuando pensamos en evitar los largos desplazamientos en la ciudad tendemos a pensar en que los modos de transporte puedan vencer esas distancias más rápido”. Por eso crecen las redes de trenes subterráneos, se da cada vez más espacio a las ciclovías, se dejan de construir rotondas y se opta por pasos bajo nivel. Todo lo que nos ayude a fluir por metrópolis cada vez más grandes y con más residentes y visitantes, es bienvenido.









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Y si lo relevante del transporte urbano es siempre evidente, la pandemia del coronavirus lo hizo aún más. La crisis sanitaria global cambió muchos hábitos que seguramente incorporaremos a nuestras vidas más allá de la situación actual. El lavado de manos, el cuidado con la higiene de todo tipo de utensilios y otras conductas similares deberían seguir cultivándose. Lo mismo tiene que pasar con la reflexión en torno a planes y medios de transporte que no solo apunten a mejorar los recorridos, sino también al fomento del uso de energías limpias, de horarios diferenciados para evitar aglomeraciones&#38;nbsp; y del teletrabajo.
	 


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	Tanto en Pekín como en Santiago bajaron los índices de contaminación ambiental cuando empezaron a implementarse las medidas de confinamiento. ¿No es una invitación abierta a considerar más seriamente la masificación de vehículos eléctricos? ¿O, mejor aún, a repensar cómo están estructuradas las actividades de la ciudad para que las distancias de viaje sean mucho más cortas y con eso conseguir que los modos no motorizados de transporte ganen atractivo?


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	Ya hay países en Asia y Europa que planifican terminar con los autos a combustión en 2030 o 2035, mientras París propone reorganizarse para que la gran mayoría de los viajes por sus distintas vías puedan realizarse en menos de 15 minutos.



	
“Yo invertiría en un gran plan de incentivos para la reorganización de las actividades en la ciudad. Incentivos que permitan al mismo tiempo hacerlas más eficientes, más sustentables y más equitativas...&#38;nbsp; De esa manera los sistemas de transporte que ya tenemos podrían volverse suficientes para servir los nuevos viajes”, dice Juan Carlos.


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El transporte urbano no es sólo un sistema que permite vencer las distancias; es un espacio que afecta la salud física y mental, como también la seguridad y la cultura: elementos clave para elevar la calidad de vida. “Es especialmente relevante apuntar a que los lugares de tránsito lo sean también de encuentro”, concluye. De encuentro con uno mismo, con la ciudad y sus ciudadanos.

Entender esta realidad en toda su dimensión es el comienzo del camino para superar el desafío de fluir por la ciudad, en todas las formas posibles, que idealmente incluyan la caminata en algún momento del trayecto.




	



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